ARTE CONTEMPORÁNEO

El arte contemporáneo, explicado técnicamente, es un concepto que se utiliza para denominar de manera general a las expresiones artísticas originadas durante el siglo XX, es decir, de una manera más coloquial podríamos decir que el arte contemporáneo es el que está realizado en nuestra época

NEOCLASICISMO

Como Neoclasicismo se conoce un movimiento literario y artístico que se inspiraba en los modelos clásicos de la cultura grecorromana. Se extendió del siglo XVII al XVIII, y tuvo lugar sobre todo en Europa.

La palabra, como tal, se compone con el prefijo neo-, que significa ‘nuevo’, el vocablo clásico, y el sufijo –ismo, que indica movimiento o doctrina. Se escribe con mayúscula inicial.

Neoclasicismo en las artes

• El Neoclasicismo sería la expresión artística de la Ilustración. En la arquitectura, se caracterizaría por rescatar la idea de la funcionalidad y la practicidad por encima del excesivo ornamento, propio del Barroco.

• En la escultura, trabajaría en mármol figuras que evocaban las ideas de sencillez, pureza de líneas y belleza, abordando temas de mitología clásica y de tipo alegórico.

• En la pintura, predominó el dibujo y la forma sobre el colorido, se cultivaron fundamentalmente temas históricos y de mitología, y se pintó al óleo sobre lienzo, aunque también hubo frescos.

• La literatura, inspirada en los autores de la Ilustración, tendería al culto a la razón y el rechazo a los dogmas religiosos. Cultivaría los temas morales, de allí que se escribiera, principalmente, fábula y teatro, aunque también novela y poesía gozaron de gran popularidad.

• La música, por su lado, también procuró inspirarse en los ideales estéticos grecorromanos, como el equilibrio y la moderación en la dinámica y la armonía, pese a no existir registro material propiamente dicho de la música de aquel periodo. La música del Neoclasicismo hoy en día se conoce como música clásica o música académica.

ROMANTICISMO 

Gustavo Adolfo Bequer fue uno de
 los grandes poetas del romanticismo

Movimiento cultural que se desarrolló desde las últimas décadas del siglo XVIII. Surgió principalmente en Alemania, el Reino Unido y Francia

El Romanticismo se caracterizó por la exaltación de la libertad, la individualidad, la subjetividad y la sentimentalidad, frente a la objetividad y el racionalismo del pensamiento de la Ilustración, además de un fuerte rechazo a la tradición clásica proveniente del Neoclasicismo.

Características del Romanticismo

• Rechazo al Neoclasicismo y a la Ilustración.
• Inclinación por la sentimentalidad en detrimento de la racionalidad.
• Rebeldía ante la tradición y las normas.
• Culto del yo, del individualismo y el subjetivismo.
• Defensa de la libertad creativa y de la originalidad.
• Gusto por lo exótico.
• Fuerte idealismo.
• Exaltación de la libertad, la fantasía y los sentimientos.
• Nostalgia por la Edad Media.
• Nacionalismo.
• Predilección por los temas populares y las leyendas.
• Valoración de las lenguas vernáculas.

La Libertad guiando al pueblo (Delacroix).

El caminante sobre el mar de nubes (David Friedrich

PRERRAFAELISMO

The Death of King Arthur by James Archer (1860)

La Hermandad Prerrafaelita, (Pre-Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La Hermandad duró como grupo constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX. 

Perséfone, de

Dante Gabriel Rossetti.

Fuentes e inspiración del prerrafaelismo

Los autores de esta corriente se inspiraron básicamente en el estilo artístico que se dio antes del maestro Rafael, de ahí el nombre que tomaron estos artistas. Es decir, su pintura se focaliza especialmente en evocar el estilo de los antiguos pintores del Renacimiento, especialmente basándose en los autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento y asuntos aún más antiguos, medievales principalmente, leyendas arcaicas e incluso, como en el caso del pintor Lawrence Alma-Tadema, pasajes de la época clásica de Grecia y Roma.

The Black Brunswicker,

de John Everett Millais.

Los objetivos de la Hermandad se resumían en cuatro declaraciones:

1. Expresar ideas auténticas y sinceras;
2. Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;
3. Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;
4. Y, lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.

REALISMO

Tendencia artística europea que se enmarca, aproximadamente, en la segunda mitad del siglo XIX y que aspira a reflejar la realidad cotidiana de modo objetivo. La burguesía revolucionaria que impulsó el movimiento romántico se convierte en la clase social dominadora y tiende hacia postulados más conservadores, imponiendo una nueva visión de la vida y del ser humano.

Sus principales características son:

• Reproducción exacta y completa de la realidad social. Todos los temas pueden ser objeto de atención por parte del escritor, desde los más heroicos hasta los más humildes.
• Las obras reparten su atención por igual a los personajes y a los ambientes sociales (preferentemente urbanos, y minuciosamente descritos).
• Saca a la luz los pensamientos más íntimos de sus criaturas y no duda en dirigirse al lector para comentar sus comportamientos
• El estilo sobrio, preciso y elaborado.
• Las acciones de las novelas responden a hechos verosímiles localizados en lugares concretos y reales.

El Paisaje realista.

El principal artífice del cambio fue Corot y tras él la escuela de Barbizon, cuyos pintores intentan plasmar en la tela la realidad del paisaje francés. Corot no se deja llevar por la interpretación de la naturaleza propia de los románticos, sino que ve la naturaleza tal como es.

La Escultura Realista.

Se caracteriza por ser la más ajustada aproximación a lo natural,el principal representante de la corriente realista-impresionista fue Auguste Rodin.

Los artistas realistas:

Gustave Courbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un compromiso político personal más firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender sus ideas.

Jean-François Mollet (1814-1875) es una de las figuras más discutidas del realismo francés. Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público.

Honoré Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y caricaturista, y en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.

IMPRESIONISMO

Puente de Moret, Sisley

El impresionismo es un estilo pictórico que se origina en Francia, en la segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su persistente experimentación con la iluminación (similar al luminismo). El manejo de la luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura.

Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras.

Origen del nombre

En 1874 se organiza la primera exhibición de un grupo de jóvenes pintores, en la "Société Anonyme Coopérative des Artistes, Peintres, Sculpteurs, Graveurs", París. En esta exhibición el estilo artístico impresionista se nombra por la famosa obra de arte “Impresión” (1874), de Claude Monet.

Naturaleza del estilo

El estilo se clasifica como la primera ruptura del proceso que desembocaría en el arte moderno. En los cuadros de los inicios del siglo XIX,  el impresionismo, no sólo abre los ojos del espectador a la técnica, sino que también a la variedad de formas y la captura de paisajes cotidianos vistos desde las más ingeniosas perspectivas. Los colores son puros, poco mezclados y se conjugan en formas de un naturalismo extremo. Las pautas que consuman esta tendencia son: el movimiento del paisaje, la naturalidad de las formas y la pureza.

Pintores impresionistas

Lo que une a estos genios de la pintura es la intención de reproducir escenas de la vida diaria de un modo creativo. En la mayoría de ocasiones se pueden distinguir claramente por su estética, imágenes desenfocadas y obras de apariencia inacabada.

Entre los artistas impresionistas más famosos se encuentran (orden cronológico):

1. Camille Pissarro (1830-1903).
2. Édouard Manet (1832-1883).
3. Edgar Degas (1834-1917).
4. Alfred Sisley (1839-1899).
5. Paul Cézanne (1839-1906).
6. Claude Monet (1840-1926).
7. Jean-Frédéric Bazille (1841-1870).
8. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).
9. Berthe Morisot (1841-1895).
10. Mary Cassatt (1844-1926).
11. Gustave Caillebotte (1848-1894).

SIMBOLISMO

Se conoce como simbolismo a las diferentes formas de expresión que utilizan símbolos para representar ideas y hechos. En este sentido, es sumamente importante relacionar la realidad del símbolo, es decir, relacionar claramente un significante y un significado determinado.

Un ejemplo para comprender la definición dada anteriormente es: la cruz forma parte del simbolismo cristiano.

Por otro lado, el simbolismo fue el nombre dado al movimiento artístico que nació en Francia, a finales del siglo XIX, y se caracteriza por sugerir ideas o evocar objetos sin nombrarlos directamente, mediante símbolos e imágenes.

Edipo y la esfinge

Gustave Moreau, 1864

Característica del simbolismo

• Se relaciona con el misticismo y religiosidad.
• Interés por el inconsciente y subconsciente.
• Subjetivismo.
• Atracción por los elementos decadentes de la condición humana. 
• Énfasis en la imaginación y fantasía.

NABIS

Nabis es la denominación de un grupo de artistas franceses que protagonizaron el último movimiento de finales del siglo XIX.

Qué significa el término nabis

Nabis significa, en hebreo, “profeta”. Según explica Calvo Serraller, tiene que ver con la admiración de este grupo de pintores por la obra de Gauguin. “Aludía, mitad en serio y mitad en broma, en la profesión de fe que todos ellos hicieron respecto a la obra que Paul Gauguin hizo en Pont-Aven, basada en los ritmos y los colores puros y expresivos”. Lo utilizaron para indicar que era adelantado a su tiempo, que tenía nuevas inquietudes y abría nuevos caminos en el ámbito del arte. El que los “profetas” se reunieran en “el templo” añade connotaciones religiosas al grupo.

El Talismán, de Paul Sérusier, 1888.

Características

El historiador Calvo Serraller hace una enumeración elementos definitorios del movimiento que podemos tomar como características.

1. Los pintores eran partidarios, en general, de las ideas y obras del Simbolismo.
2. Estudiaron con particular atención las estampas japonesas que apasionaban a los artistas occidentales desde el Impresionismo, cautivados sobre todo por su increíble forma de narración visual muy aplanada.
3. Estaban muy interesados por integrar el arte en el ámbito del mundo cotidiano, lo que les llevó a hacer muchas decoraciones y pintadas y a interesarse por el diseño de muebles y trajes.
4. Decididos partidarios de las nuevas técnicas de expresión, lo que dio más alcance y variedad a su obra. Para los pintores nabis el arte no tiene que ser una imitación de la naturaleza, sino que tiene que ser un medio de expresión de sentimientos. El tema, como en el impresionismo, no va a ser más que una excusa.
5. Sintetizan las formas y los colores.
6. Deseosos de restablecer la unidad del arte y de extender su aplicación a todas las esferas de la vida, realizan un gran número de objetos: abanicos, biombos, vidrieras, tapicerías, papeles pintados que firman la reconciliación entre el artista y el artesano. También manifiestan su innovación en el ámbito de las artes gráficas con la realización de álbumes de estampas y de libros ilustrados.

NEOIMPRESIONISMO

Entrada al Gran Canal de Venecia. Paul Signac

Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas (que utilizan la pincelada dividida en trazos muy pequeños) y los Puntillistas (que emplean una pincelada en forma de puntos para descomponer totalmente la imagen).

El término neoimpresionismo fue creado por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887 y el movimiento estuvo liderado por Georges Seurat y Paul Signac, artistas estos que exhibieron sus trabajos en 1884 en la Société des Artistes Indépendants, en París.

Un domingo de verano en La Grande Jatte

Las características principales del neoimpresionismo son:

• Preocupación por el volumen.
• Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).
• Preocupación por el orden y la claridad.
• Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
• Aplicación firme del principio de la mezcla optica: los tonos se dividen o desconen en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.
• Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla optica.
• Predilección por asuntos como puertos, orillas de rios y escenas circenses (Signac).

POSIMPRESIONISMO

La noche estrellada. Van Gogh.

En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.

Características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:

- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).
- Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).

INFLUENCIAS - De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en Cézanne.- De Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores puros y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh- De las culturas exóticas de Oceanía, el primitivismo en Gauguin.

Los pintores postimpresionistas

Paul Gauguin.
Paul Cézanne.
Van Gogh.
Toulouse-Lautrec.

ARTE NOUVEAU

Las cuatro cuerdas del violín

Edward Okun, 1914

Es la renovación artística desarrollada a caballo entre los siglos XIX y XX. Era el fin de siècle o la belle époque…

Dependiendo del país se conoció como Art Nouveau (Bélgica y Francia), Jugendstil (Alemania y países nórdicos), Sezession (Austria), Modern Style (Reino Unido), Nieuwe Kunst (Países Bajos), Liberty o Floreale (Italia) y Modernismo (España).

Todas hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno. Una vez más, y como todos los movimientos, una ruptura con lo anterior, teniendo presente una idea clara: «el futuro ya ha comenzado»

Donde las hayas nacen Edward Okun, 1906

Estéticamente hay una evidente inspiración en la naturaleza: vegetales y las formas orgánicas se entrelazan con el motivo central; la línea recta no interesa, se prefieren las curvas y la asimetría; todo es más sensual, buscando complacer a los sentidos.

Es así que flores, hojas, tallos retorcidos, insectos, cabellos femeninos, rellenan todo el espacio (horror vacui).

ART DÉCO

Autorretrato en un Bugatti verde
 Tamara de Lempicka, 1929

Estilo propio de las artes decorativas desarrollado en el periodo de entreguerras, entre 1920 y 1939 en Europa y América. Alcanzó su máximo esplendor en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales.

Como síntesis se puede decir que el Art Déco ante todo buscó la decoración por encima de la funcionalidad.

Radiator Building, Noche en Nueva York
 Georgia O’Keeffe, 1927

Característica generales del Art Déco que fueron utilizadas tanto en decoración, como en arquitectura :

• El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.
• Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes..
• Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas..
• Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.
• Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.
• Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.
• Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.
• En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.
• Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

ARTE NAIF

El arte Naif es aquel que desarrollaron un grupo de artistas al que denominaron naifs o aficionados por el hecho de no dedicarse la pintura como actividad principal, sino al margen de sus respectivas ocupaciones profesionales. No tuvieron formación académica, en todos los casos fueron creadores autodidactas.

Las principales características del arte naif son: 

contornos definidos con mucha precisión, falta de perspectiva, sensación volumétrica conseguida por medio de un extraordinario colorido, pintura detallista y minuciosa y gran potencia expresiva, aunque el dibujo puede ser incorrecto.

Henri Rousseau (1844-1910) Es el principal representante de este grupo.

Séraphine Louis, Camille Bombois, Louis Vivin o André Bauchant son algunos de los pintores naif franceses más destacados.

ARTE ABSTRACTO

Kandinsky, Composición VIII (1923)

El arte abstracto surge en el año 1910 en Munich, de la mano del artista ruso Wasily Kandinsky, exponiendo las primeras ideas sobre el arte abstracto, cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas de siglo XX , siendo una idea contraria al pensamiento del arte figurativo.

Características del arte abstracto

• Se aleja de la mímesis de la apariencia externa, la obra de arte abstracta existe independientemente de la realidad.
• El grado de abstracción puede ser parcial, conservando partes del natural y modificando otras, o absoluto, donde no existen rastros reconocibles figurativos.
• Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización.
• Los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico.
• El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.

Representantes del abstraccionismo

Entre los artistas más destacados del arte abstracto, podemos mencionar los siguientes:
Wassily Kandinsky (1866-1944)
Piet Mondrian (1872-1944)
Paul Klee (1879-1940)
Willem de Kooning (1904-1997)
Kasimir Malevich (1879-1935)
Robert Delaunay (1885-1941)
Hans Hartung (1904-1989)
Pierre Soulages (1919)
Jean Fautrier (1898-1964)
Jean Dubuffet (1901-1985)
Antoni Tàpies (1923-2012)
Jackson Pollock (1912-1956)

FAUVISMO

El movimiento Fovismo o Fauvismo como también es llamado del francés fauvismede fauve fiera e ismo de movimiento con carácter, es un estilo pictórico francés que se caracteriza principalmente por su esteticidad y sentimentalismo, ya que evidencia un espíritu sujeto a las condiciones de la situación en el momento. Este sentimentalismo lo lleva a tener un profundo sentido con la naturalista.

Estos son los principales elementos de este movimiento para la creación de sus obras:

-Imaginación para mezclar el mundo interior con el real
-Interpretación libre
-Imaginación, libertad y rebeldía

CUBISMO

Pablo Picasso - Guernica

El cubismo es un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX que rompe con los valores estéticos predominantes, eliminando la perspectiva y representando la realidad con formas geométricas y líneas rectas.

El cubismo se caracteriza principalmente por dejar de lado la perspectiva tradicional y representar la naturaleza por medio de figuras geométricas. Acentúa la mayor cantidad de ángulos posibles del objeto que se desea representar en un mismo plano.

Representantes y obras del cubismo

Los principales exponentes y sus obras más representativas del movimiento son:
Pablo Picasso (1881-1973): Guernica de 1937
Georges Braque (1882-1963): Maison à l’Estaque ("Casas en l’Estaque") de 1908
Diego Rivera (1886-1957): El marinero en el desayuno de 1914
Juan Gris (1887-1927): Retrato de Pablo Picasso de 1912
Jean Metzinger (1883-1956): La femme à l’Éventail ("Mujer con ventilador") de 1914

FUTURISMO

El futurismo fue un movimiento literario y artístico iniciado por el poeta italiano Felippo Marinetti en el día 20 de febrero de 1909, cuando publica su artículo en la prensa Le Faigaro.

Características del futurismo

Arte futurista
En sus creaciones, la pintura futurista buscó expresar el movimiento real, enalteciendo la velocidad expuesta por las figuras en movimiento en el espacio. Este movimiento artístico, en su pintura fue influenciada por el cubismo y abstraccionismo, con expresión máxima de dinamismo al captar la forma plástica, la velocidad, el movimiento, las figuras humanas y animales.

Autores del futurismo

Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944)
Umberto Boccioni (1882-1916)
Carlo Carrá (1881-1966)
Luigi Russolo (1885-1947)
Giacomo Balla (1871-1957)

EXPRESIONISMO 

El grito - Munch

Se conoce como expresionismo a la vanguardia artística y literaria del siglo XX. El expresionismo surgió en Alemania, aproximadamente en el año 1905

El expresionismo surgió como una reacción al Movimiento Impresionista, con una visión trágica del ser humano. Como tal, este movimiento artístico buscaba expresar los sentimientos y emociones del autor de la obra, realzando el lado pesimista de la vida, específicamente la angustia del individuo, fruto de la sociedad moderna e industrializada.

Prima la expresión de la subjetividad frente a la objetividad impresionista, optan por la aplicación violenta de la pasta cromática y por una temática de lo morboso, lo prohibido y lo fantástico.

Exponentes del expresionismo

Amedeo Modigliani (1884-1920)
Constant Permeke (1886-1952):
Cândido Portinari (1903-1962)
Chaim Soutine (1893-1943)
David Siqueiros (1896-1974)
Diego Rivera (1886-1957)
Edvard Munch (1863-1944)
Georges Rouault (1871-1958)
José Orozco (1883-1949)
Marc Chagall (1887-1985)
Paul Klee (1879-1940)
Vincent Van Gogh (1853-1890)
Wassily Kandinsky (1866-1944

PINTURA METAFÍSICA

Corriente pictórica italiana que se caracterizó por las yuxtaposiciones de objetos en perspectivas abiertas y por la representación de un mundo onírico y desolado. El movimiento pictórico metafísico proveyó de significantes a movimientos ulteriores como el dadaísmo y surrealismo. Este movimiento tuvo corta vida y se disolvió definitivamente en 1920.

'Las musas inquietantes' (1917)

Características

• Representación naturalista de las figuras, los objetos y las acciones en un espacio escénico-pictórico controlado.
• Escenas colmadas de misterio y quietud.
• Imágenes que se alejan del mundo corriente y ordinario.
• Lenguaje pictórico altamente poético, fuerte y correctivo en lo formal.
• Exploración de la naturaleza enigmática de los objetos y sus posibilidades dentro de la pintura.
• Representación de ambientes desolados, carentes de vida y en los que se yuxtaponen figuraciones variadas.
• Uso de la perspectiva convencional, ponderando lo espacial.
• Marcado efectismo y énfasis en los efectos de sombra como elemento para potenciar los efectos de relaciones espaciales, luz y profundidad.
• Marcado deseo por representar la vida interior de los objetos y su interrelación.

Representantes

Entre los exponentes de este movimiento se destacan Carlo Carrá, pintor que había sido uno de los líderes del futurismo y Giorgio di Chirico, también artista que había estado trabajando en París y había sido admirado por Guillaume Apollinaire y por otros artistas de vanguardia como un pintor de escenas misteriosas, urbanas y de bodegones. Otros pintores vinculados al arte metafísico fueron Giorgio Morandi y Filippo de Pisis.

RAYONISMO

Movimiento artístico iniciado en Rusia en el Salón de la libre Esthétique de Moscú, en 1909, por Miguel Larionov y Natalia Goncharova, y profundizado en 1913.

El rayonismo propone la descomposición del tema en haces de líneas oblícuas, una especie de rayos de luz de diferentes tonalidades. Aspectos como la luz, el color, el tiempo, y el dinamismo son de gran importancia en el rayonismo.

ORFISMO

Guillaume Apollinaire bautiza en 1913 a esta tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta ante todo el color y la luz. Lo hace en parte para distanciarse del frenesí futurista que estaba arrasando París y que él consideraba «una bobada».

El Orfismo viene de Orfeo, tan virtuoso con la lira que conectaba con el alma. El arte de esta gente pretendía precisamente eso: cuadros que vibraran en armonía y tono, como una composición musical.

CONSTRUCTIVISMO 

Movimiento artístico surgido en Rusia en 1917, que tiene sus raíces en los 'Vkhutemas', o "Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado" y se desarrolló principalmente en el arte, diseño y arquitectura rusos. 

Se basa en el cubismo, y estéticamente se relaciona con la ingeniería y la arquitectura.

Con esta finalidad, artistas como Vladimir Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander Rodchenko, Wassily Kandinsky, Naum Gabo y El Lissitzky promovieron una estética y una aproximación al diseño que, entre otras cosas, se asociaba a la producción industrial y decía adiós al ornamento complaciente.

SUPREMATISMO

Fue un movimiento artístico ruso que se desarrolló paralelamente al Constructivismo. Formado en Rusia en 1915-1916. Término utilizado por Kasimir Malevich como referente a su teoría y producción artística desarrollada a manera de manifiesto y cuyo fundamento se establece en la “pura no-objetualidad”.

Como estilo artístico el suprematismo es un intento por dogmatizar en “principios formales puros” la estética geométrico-constructiva que había nacido en el círculo artístico del Vanguardismo ruso y que trabajaban artistas como Tatlin, Rodchenko y los hermanos Pevsner.

DADAISMO

Movimiento artístico que tuvo origen en el año de 1916 en Zurich Suiza, gracias a la propuesta hecha por Hugo Ball como alternativa para las personas que querían expresarse libremente en una época donde la libertad estaba restringida, a causa de las guerras que se dieron en esa era, además de eso el dadaísmo se opuso a las convenciones artísticas, burlándose de los artistas de origen burgués y de su arte.

El dadaísmo radica principalmente en la espontaneidad, lo absurdo e irracional, buscando con ello eliminar lo que se creía que era lógico

NEOPLASTICISMO

Corriente artística nacida en Europa en la segunda década del siglo XX que difunde una praxis artística basada en la idea de despojar al arte de todo elemento accesorio para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo y, por ende, universal.

Características

• Movimiento artístico cuya estética invade a las bellas artes: pintura, escultura y arquitectura
• Preferencia por los colores primarios más el blanco, el negro y el gris
• Preferencia por el uso de la línea recta, los planos y el ángulo recto
• Arte que descansa su visualidad en lo modulado y proporcionado
• Reducción de las formas a una geometría simple
• Ven la belleza en la simplicidad de las formas geométricas
• Búsqueda de la perfección y la armonía plástica
• Lenguaje plástico objetivo y en consecuencia, universal
• Predominio de los conceptos de estructura y composición.
• Representantes

Entre los principales representantes del movimiento nepolasticista se pueden citar a:

Van Doesburg
El pintor Vilmos Huszár
El catalán Estéfano Viu
El escultor Georges Vantongerloo

Los arquitectos:
Jacobus Johannes Pieter Oud
Gerrit Thomas Rietveld

SURREALISMO

La pintura surrealista aparece en escena desde la exposición de 1925 en la Galería Pierre, con artistas como Arp, Max Ernst, Man Ray, Klee, Girgio de Chirico, Miró o Pablo Picasso, a los que se añadirían Dalí y Magritte.

En palabras de Breton en su manifiesto de 1924, el Surrealismo es un puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar, verbalmente o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento en ausencia de cualquier control ejercido por la razón al margen de toda preocupación estética o moral.

Se considera precursores del Surrealismo a Rousseau, Chagall y De Chirico y se establecen en él dos tendencias: el Surrealismo figurativo, que se sirve de los convencionalismos de la perspectiva del Renacimiento para mostrar sorprendentes escenas (Dalí, Óscar Domínguez, René Magritte) y el Surrealismo abstracto, fiel a los manifiestos, cuyos artífices inventan universos figurativos personales (Joan Miró, Max Ernst).

RACIONALISMO

Es un arte realista, se pinta lo que antes no merecía ser pintado. Las formas se tornan más claras y nítidas, el centro de todo es el hombre
Uno de los pintores racionalistas más destacados es Rembrandt: Pinta al ministro con su señora, aun muerto siendo estudiado en la escuela de medicina, esto refleja que se pinta lo que jamás se pinto, los hechos cotidianos. Todos los artistas de este período siguen esta misma línea.
Otros que podemos citar son Velásquez, con su obra “Las meninas”, Van Der, Juan Esteban Murillo, Ribera, quien pinta el sentido del gusto.

TACHISMO

El Tachismo fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.

ARTE MARGINAL

El arte marginal fue un movimiento artístico que surgió a través de un crítico del arte llamando Roger Cardinal en el año 1972. Sin embargo, el concepto de arte marginal surgió a través de un artista francés (Jean Dubuffet) cuando denominó a este arte como Art Brut que hacía referencia a un tipo de arte que se había creado sin ningún tipo de límite cultura.

Por esta razón, un artista marginal crea obras de arte a través de su creatividad y su originalidad sin tener contacto con ninguna técnica ni con ningún tipo de arte. Los artistas respondían a una gran motivación interna y utilizaban técnicas y materiales inéditos para crear sus obras de arte. Por eso, el arte marginal es un reflejo precioso del estado mental de los artistas. 

OP ART

El arte óptico como movimiento artístico data de finales de la década del 50, hasta mediados de los 60 se conformó como una tendencia formal, más tarde por el 1965 ,el museo de arte moderno de New York (MoMa), organizara una exposición con el nombre de The Responsive Eye.


El arte óptico es una corriente pictórica a diferencia del arte cinético que es escultórica. Por ello, las técnicas más destacadas del Op art son:

• Se utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables, o acromático usando el negro, blanco o gris.
• Los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia, en el arte Op Art no puede ser creado sin ambos.
• Crear un complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la sensación de ser una ilusión en movimiento.
• Líneas paralelas que pueden ser sinuosas o rectas
• Los contrastes tienen que ser cromáticos y muy marcados. Existen dos tipos o poli o bicromáticos.
• Hay cambios de tamaño y de forma
• Se mezclan o se repiten figuras y formas.
• Usan muchas figuras geométricas como pueden ser: rectángulos, triángulos, círculos y cuadrados

POP ART

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX caracterizado por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.

Principales representantes de este movimiento:
- Andy Warhol
- Roy Lichtenstein
- Richard Hamilton
- David Hockney
- George Segal

ARTE MINIMALISTA

El concepto minimalista, de forma general, es diferentes cosas que se han visto reducidas a lo esencial y quita los materiales que sobran, a todo aquello que ha sido reducido a lo esencial, sin elementos sobrantes que rellenen sin un sentido.

Es una corriente artística contemporánea surgida en Estados Unidos, durante la década de los años 60, que tiene como tendencia reducir sus obras a lo fundamental, utilizando sólo los elementos mínimos y básicos

ARTE POVERA

Expresión italiana que significa “arte pobre” y que define una corriente estética aparecida en Turín hacia 1967 como reacción frente al arte tradicional en la medida en que éste es considerado bello y de materiales nobles.El arte povera se vale de objetos del desecho o sin valor real ni artístico, triviales y ajenos a denominaciones como bello, hermoso o exquisito.

Entre los artistas que cultivan el arte povera destacan

 Antonio Tàpies, Giovanni Anselmo, Mario Merz, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Michalangelo Pistoletto, Luciano Fabro, Pino Pascali, Janis Kounellis, Lawrence Weiner, Richard Serra, Robert Morris y Hans Haacke..